Je t’aime depuis trop longtemps, avec Ike Turner
Pendant une minute, tenons à distance le club de garçons qui l’entoure : les images des frères Maysles des hommes-enfants des Rolling Stones qui gambadent avec désinvolture dans les coulisses, lorgnant et regardant le spectacle sur un moniteur ; le spectre menaçant d’Ike dans l’ombre, faisant sentir sa présence avec un appel et une réponse provoquant la nausée. Faites attention à cette voix – flottant dans l’atmosphère et, bien que sûrement sous la contrainte, toujours une chose d’une gravité viscérale étonnante. C’est un disque d’agonie qui mérite d’être reconnu comme le témoignage forgé de Tina Turner au monde, sa méditation atroce sur l’assujettissement intime et la volonté d’être libre.
Tout plein d’amour
Tant de ces morceaux de début de carrière – de son travail avec Ike à son émergence en tant que Who’s Acid Queen à Tommy, et au-delà – étaient des extravagances face à face, des confrontations avec le patriarcat à la maison ou dans l’arène rock’n’roll . Turner défonce la porte de l’hymne anthémique de Led Zeppelin au phallus et réorganise le terrain de jeu, transformant les ébats masculinistes de Plant et Page en une danse de puissance de chambre à coucher. « Je vais te renvoyer, ouais, pour aller à l’école… », chante-t-elle. C’est notre terrain de femme, un tête-à-tête sexuel électrisé.
Restons ensemble
Mais ne l’enfermez pas, s’il vous plaît ! Tina reprend Al Green et fait entrer les années 1970 dans la prochaine décennie, habillant les sons chauds de Memphis du révérend et montrant la complexité de sa gamme – à la fois arquée et captivante et pourtant aussi souple et douloureuse. Nous nous déplaçons avec elle dans le tourbillon du bonheur de la piste de danse disco tardive. C’est un choix de champ gauche d’une couverture qui rappelle à tous les capacités multiformes de Turner en tant qu’artiste capable d’évoquer la tendresse et le feu en une seule chanson.
Danseur privé
La chanson titre de l’album qui a donné un tiercé gagnant. Sombre et pensif, un étourdissant d’une piste conceptuelle et le revers du succès Bad Girls de Donna Summer de la décennie précédente. Private Dancer est peut-être la critique pop la plus profonde du travail du sexe et de l’exploitation sexuelle; c’est du cynisme capitaliste tardif du point de vue d’une protagoniste noire confrontée à un ensemble de choix difficiles dans le monde d’un homme. Turner livre ici certains de ses meilleurs travaux d’interprétation en tant qu’acteur, narrateur à la première personne et chanteur, oscillant entre le vide de « danser pour de l’argent », le lapsus d’une confession que son protagoniste aspire à « une famille » et le retour en arrière. en “shimmying” astucieux pour ses clients. Mélancolique, sombre, magistral.
Je ne veux pas me battre
La chanson d’expiration qui vous fera monter les larmes aux yeux. Si la représentation légendaire d’Angela Bassett de Tina Turner a donné aux masses notre premier aperçu de l’énormité de quoi et comment elle a survécu à la tyrannie domestique qui l’a presque tuée, la chanson thème du biopic What’s Love Got to Do With It est le magnifique et doux atterrissage que Tina l’héroïne et Tina la pop star méritent toutes les deux. Hymne de libération de la femme noire du début des années 90 chanté dans la tonalité des romans de Terry McMillan, I Don’t Wanna Fight est le revers de toutes les chansons de rupture qui l’ont précédé et suivi. Tina se penche sur la lumière et le « lâcher-prise » et vous entraîne avec elle.
Limites de la ville de Nutbush
Voici la naissance des mémoires hard-rock racontées par une sœur qui a beaucoup à nous dire sur son éducation hard-scrabble, Jim Crow Tennessee; la fille de métayers qui a cueilli du coton à un âge précoce, a chanté à l’église et a trouvé du travail domestique à l’adolescence tout en le maintenant dans l’équipe de cheerleading. Vamp brûlant des granges, City Limits est une leçon de manuel sur la façon dont le blues a engendré le rock’n’roll, comment les communautés noires sacrées et profanes du sud se sont assises dans le creuset entre la “maison de l’église” et la “maison du gin”. C’est l’histoire d’une “ville à un cheval”, d’un univers de temps passé au “champ” en semaine et en vacances “pique-nique”, de “porc salé”, de “mélasse”, de prohibition et de whisky bootleg – tout est réuni en un seul univers volatil d’accords de puissance vacillants et de la voix puissante et graveleuse de Turner. Nous sommes à la périphérie de la ville avec elle.
Nous n’avons pas besoin d’un autre héros
Tous saluent Aunty Entity (mais gardez à l’esprit que “Aunty” est un titre mieux décerné aux femmes noires par quelqu’un de leur entourage), la femme qui affronte Mad Max de Mel Gibson dans le film d’action dystopique Beyond Thunderdome . Avec un peu de la production de la gueule de bois de What’s Love, Hero monte toujours en flèche, combinant le balayage et la force de ses jours de chant Ike et Tina avec un crochet radio rock et pop palpitant des années 1980 – et un sax chaud ! Atterrissant en plein milieu de l’ère d’austérité Reagan-Thatcher, il s’agit sans doute du message social le plus poignant et le plus opportun de Tina Turner qui arrive via le cheval de Troie d’une suite de la bande originale d’un film pop-corn. “Sortir des ruines/Sortir de l’épave/Je ne peux pas faire la même erreur cette fois/Nous sommes la dernière génération… Nous sommes ceux qu’ils ont laissés derrière eux”, chante Turner alors que le 20e siècle entame son lent ralentissement. Vêtue d’une tenue de super-héros, Tina Turner nous a crié de nous rassembler et de nous sauver. Mais nous nous tournions vers elle pour une inspiration féroce.
Mary fière
Regardez-la courir avec la chanson Working Man Journey de Creedence Clearwater Revival, transformant le country rock vagabond blanc du sud en une histoire épique de migration noire. Le génie de la réinterprétation par Tina Turner du classique de Fogerty et de sa compagnie réside dans son changement fascinant de tempo et de teneur émotionnelle : de sa marque de fabrique, une ouverture lente, une lamentation graveleuse sur le travail et le désir réhabitée ici par une femme noire en mouvement à son arriviste boogie-woogie rock’n’roll rebond. C’est la musique du mouvement noir, de la réinvention et de la détermination imparable. Et en dépit des insinuations évidentes et incroyablement lourdes qu’elle et Ike échangent ici, l’insistance de Turner à le faire «gentil et brutal» est aussi une déclaration audacieuse d’une nouvelle voix de femme dans le rock’n’roll, une affirmation du rude et du agence de tumble qui allait devenir sa marque de fabrique bien méritée.
Qu’est ce que l’amour a à voir avec ça
Vous pouviez compter sur une main les femmes noires sur MTV lorsque Tina Turner est arrivée sur la scène, regardant la ligne d’horizon de New York avec ces cheveux d’un mile de haut dans son premier single américain pour son album à succès Private Dancer, le plus grand retour record dans l’histoire de la pop. Sexy, de mauvaise humeur, intime, candide, What’s Love a remis notre Tina sous les projecteurs initialement dans un registre différent, avec les amplis baissés et l’enjouement fumant monté en flèche. S’il y a un courant sous-jacent mélancolique ici, c’est dû au fait que cette itération de Tina Turner est si totalement sceptique quant à la vraie romance. Mais au moins pour l’instant, nous entendons un peu de joie à poursuivre le raccordement plutôt que de risquer un autre cœur brisé. Posée et assurée, elle se présente à nous comme une nouvelle diva de la pop, établissant une reine du crossover post-soul, rock-meets-pop des années 80.
River Deep – Mountain High
Qui d’autre peut résister au mur du son de Phil Spector comme Tina ? Bien avant que Miley ne se lance dans son Climb, Turner nous emmenait plus haut dans une symphonie de majesté sonore. Ici, elle montre comment collaborer au mieux avec Spector, un Svengali sociopathe, en embrassant le drame histrionique d’une chanson qui construit avec suspense une trajectoire du désir d’une femme. Ne vous laissez pas berner par le jeu d’enfant « poupée de chiffon » du couplet d’ouverture. L’amour ici est une chose à grande échelle, sa profondeur et son ampleur étant comparées à la course de la Terre elle-même. Pas étonnant que Spector ait fait appel à Turner, dont les capacités de ceinture d’acier étaient suffisamment sismiques pour résister à l’assaut des arrangements orchestraux qu’il avait en tête pour ce morceau. Bienvenue dans l’ère du rock au niveau des stades – là où elle appartient.